在2015年的嘉德秋拍上，李可染先生创作的约3.1平尺《万山红遍》 以5800万元起拍，最终1.84亿元成交。更令人意想不到的是这幅被称为史上最值得投资的画竟是荣宝斋40多年前花80元收的，这段传奇的“捡漏”经历也成为拍卖史上的一段佳话！

李可染《万山红遍》 1964年作75.5×45.5cm

如何在琳琅满目的书画市场中挑选出有收藏价值的山水画呢？小编整理了六个方面来教您如何识别：

从构图来看

一幅好的山水画，必须有好的构图。好的构图一般要符合以下两个规律：

• 对立统一规律

体现在形式上有宾主、呼应、虚实 、疏密、开合、藏露、节韵等关系。

(1)宾主。构图要主次分明，不能喧宾夺主。

(2)呼应。画中一切物体（包括题款和印章），都要互相关联，有呼有应。这样才能气脉贯通。

(3)虚实。传统山水画常把云和水作留白处理。白与黑，空与物，白与灰，灰与黑，就是虚实的对比。但实处要实而不塞，要透气，要有“活眼”。如林风眠《秋山图》，如无中间的“活眼”，就是一盘“死棋”。

林风眠《秋山图》

虚处要虚而不空，即使是空白，也要让它表示一种实体，既所谓“计白当黑”，这样才能“虚实相生，无画处皆成妙境”。如宋代赵芾《江山万里图》，中间大片的留白，通过几只小船，却表现了迷茫辽阔、江山万里的意境。

赵芾《江山万里图卷》 局部

(4)疏密。山水画构图最忌均匀整齐，古人说：“疏处可走马，密处不通风。”这样才能变化多姿。

(5)藏露。画要给人留有想象的余地，一览无余，就没有情趣了。因此作画要善于运用“藏”的方法。郭熙说：“山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰，则高矣。”“藏”，使人感到高深莫测，从而给观者想象的空间，这就是“藏”的妙用。如张大千《黄海归来步步云》，就将大片的松树、山石隐藏在了云起之间，若隐若现。

张大千《黄海归来步步云》

(6)开合。开与合是相对的矛盾。有对立，画面才生动。开而不合，就会显得不稳和散乱。有开有合，才能相对稳定。

(7)节韵。即节奏与韵律。一幅好的山水画，是有节奏美和韵律美的。这不仅体现在勾、皴、擦、染、点等笔法的运用上，也体现在整体的布局上，既要有变化又要有规律。如石涛《淮扬洁秋图》，画中的点既有大小、疏密、浓淡的变化，整体上又有一定的规律。

石涛《淮扬洁秋图》

• 透视规律

西洋画一般采用“焦点透视”，中国画采用的是“散点透视”，也叫“移动透视”。“焦点透视”就像照相一样，观察者固定在一个立足点上，只能把视域以内的东西拍摄下来。“散点透视”则是移动着立足点来进行观察的，所以不受视域的限制。

宋代郭熙在《林泉高致》中，把中国山水画的透视归纳为“三远”，即“高远”、“深远”、“平远”。值得注意的是，在一张山水画中，往往是“三远”综合运用的。

(1)高远。“自山下而仰山巅，谓之高远。”也叫作“虫视”，即故意把自己放在低处，所看到的景物都是高大雄伟、气势磅礴，这种透视法宜于描绘崇山峻岭。如北宋范宽的《溪山行旅图》。

范宽《溪山行旅图》

(2)深远。“自山前而窥山后，谓之深远。”这是站在山前或山上远眺，并要移动视点才能看到的景象。这种透视法宜于表现幽深的意境。如清代王翚的《万壑千崖图》。

王翚《万壑千崖图》

(3)平远。“自近山而望远山，谓之平远。”这是在“平视”中所得的远近关系。宜于表现坦荡开阔的南方山水。如元代倪瓒的《秋亭嘉树图》，就是通过视平线的上移，将画面的景物无限向远处延伸来展现的。

倪瓒 《秋亭嘉树图》

从笔墨来看

用笔与用墨，是国画入门的基础，是最能体现画家功底的问题，因此也是识别一张国画优劣的最主要的依据之一。

• 用笔

中国画是以线为主来表现造形达意的。因此看一幅国画用笔的好坏，主要是看这幅画中线条的好坏。古人提出“书法用笔”，即要求画家在作画时要像写书法一样用笔。黄宾虹总结了前人的经验，提出了“五笔”之说，即“平、圆、留、重、变”。

陆俨少《流水人家》

(1)“平”，是指运笔时用力均匀，起讫分明，笔笔送到，要“如锥画沙”。

(2)“圆”，是指行笔转折处要圆而有力，不妄生圭角，要如“折钗股”。

(3)“留”，是指运笔要含蓄，要有回旋，不浮不滑，要“如屋漏痕”。

(4)“重”，即沉着而有重量，要“如高山坠石”。

(5)“变”，一是指用笔要有变化，中锋、侧锋、逆锋、顺锋，根据需要随机应变；二是指运笔要彼此相让，互相呼应，气势连贯。

宋代韩拙提出：“用笔有三病：一曰板、二曰刻、三曰结。”所谓“板”，是指线条扁平，没有圆浑的立体感。所谓“刻”，是指笔划过于显露，妄生圭角。所谓“结”，是指行笔犹豫，线条不流畅。其他还有枯、弱、光滑、草率等，都是山水画用笔的病忌。

• 用墨

墨色的变化，有“五彩”之说，即“焦、浓、重、淡、清”；也有“六色”之说，即“干、湿、浓、淡、黑、白”。不论是那种说法，无非就是讲墨色的变化多端。山水画用墨有三要：厚，透明，丰富。

(1)“厚”，就是感觉要厚重而不轻薄。

(2)“透明”，就是层次要清楚，不浑浊，不僵化。

(3)“丰富”，就是指墨色多变，层次丰富。总之，看一幅山水画的用墨好不好，主要是看用墨是否有变化、有韵味，层次是否清楚、丰富，能不能表现物象的立体感、质感和远近的空间感。如黄宾虹《青城山色图》。

黄宾虹《青城山色图》

从用色来看

传统国画着色多从物体固有的本色出发，很少考虑光的影响和变化，所以用色相对西洋画来说比较单纯，具有清新明快的特点。根据山水画不同的种类，用色的要求也有所不同。水墨山水根本不用色，就不说了。

• 以水墨为主

在淡彩山水中，以水墨为主，色彩只起辅助作用，用色要求“淡雅”、“清透”。要“墨不碍色，色不碍墨”。即墨足之处用色要清淡、透明，不让色覆盖了墨；浓的色彩要用在墨少之处，不让墨破坏了色的清丽。这样，二者才能相得益彰。如李可染《千岩竞秀万壑争流图》。

李可染《千岩竞秀万壑争流图》

• 以重彩为主

在重彩山水中，用色要求浑厚凝重而不腻浊，清丽鲜明而不单薄。如张大千的《华山云海图》。

张大千《华山云海图》

• 以泼墨为主

在中国画当中，色与墨是交替互用的。在泼彩山水中，用色要求色墨浑融，变化丰富，不脏不浊。如张大千的《爱痕湖》。

张大千《爱痕湖》局部

不管是淡彩、重彩还是泼彩，用色都要有一个主调，不能混乱、花俏。但在主调中又要求变化，不能单调、呆板。总之，既要有对比又要和谐统一。

从物象的表现技法来看

山水画的技法很多，使用哪种技法，因物而异，因人而异，因画而异。看一张画中的技法用得好不好，主要是看这种技法在这张画中，是否能充分表现对象的“形”与“神”，是否能充分表达作者的“意”。

黄宾虹《黄山汤口》

从意境来看

中国画的造境是从北宋的“人与自然对话”向元代“文人情怀抒发”过渡的，特别是文人画里好的山水画，要有美的意境。意境是山水画的灵魂。一幅画，必须给观者留有联想和再创造的余地，能使观者受到感染并引发自身生活感受的共鸣，感到言外意，弦外音，境外味，才算是有意境。

吴湖帆《翠岫笼烟》

意境融合是感情与形象高度结合，达到“情景交融”、“天人合一”的境界。王国维说：“至意境两浑，则唯太白、后主、正中数人足以当之。”可见对于诗来说，这是意境的最高境界了。而对于画来说，当是画家神来之笔的得意杰作了。

从书法角度来看

绘画与书法之间，关系总是密切的，元代赵孟頫“书画本来同”的意思是指中国传统文人绘画应以“写”代“描”，用书法的笔法来画画。自从书画相会那一刻起，中国画就发生了根本变化，变得更加抽象、深沉，其主要特征就是书法的笔墨韵味更加浓厚。笔墨的力度、韵律、质感，以及它无限自由，丰富变化的造型能力，自古就为文人士大夫阶层所喜爱。

赵孟頫《水村图》

在画上有书法的意境和内涵，运用题诗或题跋来衬托画面，使画面的意境更加幽远深刻，这样一幅诗、书、画完美融合的艺术整体，才是给人以丰富的美的享受优秀山水画作。

山水画是国画门类里面技法最成熟、取得成就最高的画种，也是藏家投资收藏的首选画种，因此具备一定的山水画鉴赏知识，对于书画爱好者来说，是一项很重要的功课。